Luego de tres años, la Bienal de Venecia regresa a Italia. En lo que se ha descrito como las Olimpiadas del mundo del arte, naciones de todo el mundo organizan presentaciones en un intento por ganar exposición internacional para sus artistas. (Hay mucho en juego: el pabellón polaco, por ejemplo, recibe más visitantes durante la primera semana de la Bienal que cualquiera de sus museos durante todo el año).

Para ayudar a determinar qué pabellones merecen su mayor atención. Y aunque no hay han escatimado en imaginación, estos son algunos de los más impresionantes.

letonia

Skuja Braden, “Vender agua junto
al río”, comisariada por Solvita Krese y Andra Silapētere

La cerámica no suele ser el medio más llamativo, pero el dúo de artistas Skuja Braden ha creado una instalación espectacular en el pabellón de Letonia en el Arsenale. Las más de 300 obras de porcelana compensan su modesta escala con un gran volumen, con una profusión de vasijas pintadas cuidadosamente apiladas sobre mesas, colgando de las paredes e incluso esparcidas por el suelo.

Las socias Inguna Skuja y Melissa D. Breiden son pareja desde hace 22 años, pero no pueden casarse legalmente en Letonia, donde la homofobia está muy extendida. Han hablado de enfrentarse a la violencia física, incluidas las personas que les arrojan bolsas de excrementos, lo que hace que su selección sea una opción particularmente progresista para la nación.

Su defensa de la comunidad LGBTQ es visible en obras con escenas eróticas de amantes femeninas y una pared de botellas con forma de senos grandes y alegres. Pero también hay calaveras, caracoles, frutas, nenúfares y muchos otros objetos representados en obras que van desde platos puramente decorativos hasta funcionales, agregando un elemento de diseño bienvenido a la exposición.

Este es un pabellón que recompensa mirar de cerca, con una plétora de pequeños detalles que esperan ser descubiertos.

—Sarah Cascone

Escocia

Alberta Whittle, “inmersión profunda (pausa) desenrollando la memoria”, comisariada por Creative Scotland

El pabellón escocés, justo al otro lado de un puente y a unos minutos a pie del bullicio del Arsenale, es un fuego lento. No es particularmente llamativo. Pero en los días posteriores a que lo vi, en medio de un mar de otras obras de arte, las instantáneas de la pieza central de la exposición, un video de 40 minutos llamado Lagareh: The Last Born , seguía apareciendo en mi cabeza. Al igual que el tapiz de la primera galería, la película de Whittle entreteje imágenes del pasado y el presente para mostrar cómo nuestras historias condujeron al mundo en el que vivimos hoy. Sé que la descripción suena un poco trillada, pero la grandeza de la película de Whittle radica en cuán específica está. Filmada en múltiples lugares de Escocia, Inglaterra, Italia, Sierra Leona y Barbados, la película incluye un recorrido por un cementerio sin marcar en la isla de Bunce, el sitio de una de las mayores operaciones de comercio de esclavos en África Occidental, así como imágenes de teléfonos móviles. de un joven negro siendo arrestado. También hay belleza allí, como las tomas persistentes de una pareja queer negra, uno con los pies en el regazo del otro, charlando y riéndose conspirativamente sobre qué tipo de padres planean ser y el hogar amoroso que construirán.

—Julia Halperin

Dinamarca

Uffe Isolotto,  “Caminamos por la Tierra”, comisariada por  Jacob Lillemose

El pabellón danés se ha transformado en un paddock para esta inquietante instalación de Uffe Isolotto. Es difícil orientarse en el espacio, que está impregnado de un leve aroma a estiércol de caballo y un sustrato parecido al heno llamado hierba marina, aparentemente utilizado para los techos de las granjas en la isla de Læsø en Dinamarca. Está poblado por tres esculturas hiperrealistas que pican la piel de una familia de centauros. En una habitación a la derecha, una mujer está acostada de lado, dando a luz algo que todavía está dentro de su saco amniótico. Al alejarte de ella, tus ojos se posan en la parte inferior del cuerpo de un hombre, que cuelga siniestramente del techo en otra habitación.

El espacio está adornado con detalles que podrías asociar con la vida agrícola danesa, pero todo está un poco fuera de lugar: herramientas agrícolas alienígenas y especies de plantas desconocidas, algunas que rezuman un fluido azul, están esparcidas por todas partes. Las inconsistencias hacen que se sienta como una especie de realidad paralela, pero el título de la exposición, “Caminamos por la Tierra”, sugiere que el escenario no es un mundo pasado mítico o una realidad alternativa, sino un futuro poshumano imaginario.

Esa base útil incita a la imaginación a llenar los espacios en blanco sobre cómo podríamos llegar de este presente a ese futuro. En un comunicado, Isolotto evocó las desafiantes realidades de nuestro momento presente, ya sean ecológicas, políticas o existenciales. “Hay mucha esperanza y desesperación en el aire, y quiero hacer eso una realidad física con esta instalación”, escribió. Quizás los centauros sean los descendientes de los humanos, que han realizado esfuerzos biotecnológicos para adaptarse y sobrevivir en un mundo cambiante. Hay indicios de que esta evolución está en curso: la criatura dentro del saco amniótico no se parece mucho a sus padres, y la muerte del padre podría simbolizar el trauma y la dificultad de coexistir con una generación sucesiva y diferente.

—Naomi Rea

Bélgica

Francis Alÿs, “La naturaleza del juego”, comisariada por Hilde Teerlinck

Es difícil no sentirse conmovido por la instalación del artista belga de más de media docena de películas que capturan a niños jugando. Filmadas a lo largo de más de 20 años en Afganistán, Bélgica, Canadá, República Democrática del Congo, Hong Kong, México y Suiza, las películas muestran a niños participando en varios juegos, unidos por un enfoque común. Hay un niño decidido que hace rodar una llanta cuesta arriba solo para subirse dentro y rodar hacia abajo; una niña saltando meticulosamente sobre las grietas de la acera; un grupo de niños compitiendo en carreras de caracoles. Es una instalación que te obliga a pensar en los grandes problemas del mundo (cambio climático, guerra, desigualdad) sin mencionarlos en absoluto.

—Julia Halperin

Corea

Yunchul Kim, “Gyre”, comisariada por Jungyeon Park, Kahee Jeong y Catherine (Hyun Seo) Chiang

Por lo general, no me siento atraído por el arte “tecnológico” abiertamente elegante, especialmente cuando los artistas confían en superficies resbaladizas e intangibilidad como su ruta para lograr algún tipo de efecto sublime y sagrado. Sin embargo, me encantó el pabellón de Yunchul Kim para Corea del Sur, quizás porque llega a algo universal y profundamente espiritual al hacer todo lo contrario.

Su presentación, “Gyre”, consta de cinco cuerpos táctiles y respiradores entrelazados, no es que haya nada humano en ellos. La ejecución material de estas cinco grandes esculturas cinéticas es verdaderamente exquisita, y cada una de las máquinas pulsa y fluye constantemente mientras se comunican con otras y emanan sonidos de insectos. La obra crea un portal para la contemplación del universo y la existencia.

Cientos de tubos de vidrio parpadean con luz en  Argos – The  Swollen Suns  cuando detecta la presencia de partículas subatómicas. Esto activa Chroma V , que cuelga de cadenas en el centro del pabellón: el nudo de flujos y movimientos de 164 pies de largo. La Poussière de Soleils (El polvo de los soles) contiene varios paneles de vermiculita, un material caleidoscópico que cae dentro de los paneles en un patrón determinado por sus propios sensores de luz. Mientras que las otras obras brillan con diferentes nodos eléctricos, Impulse cuelga silenciosamente con luz natural cerca de la salida, bombeando agua de mar veneciana a través de su red de tubos, conectando efectivamente estas máquinas interconectadas con el mundo fuera de la puerta del pabellón.

Lo que sucede exactamente entre estas extrañas máquinas con forma de criatura sigue siendo desconcertante: solo puedes quedarte allí como un testigo asombrado, observando cómo inhala y exhala mientras se derrumba la barrera entre la naturaleza y el artificio.

—Kate Marrón 

Después de ser pospuesta debido a la pandemia, la 59 edición de esta exposición de arte contemporáneo nos recordó en cada uno de sus pabellones, la importancia del arte en estos momentos de crisis de sentido, de ambigüedad e incertidumbre, mantener la sorpresa, la lucidez y el asombro. En fin, la inmensidad de posibilidades y realidades que construyen el arte.